Lohnt sich der Aufwand der Steinlithografie im digitalen Zeitalter noch?

In einer Welt, die von der Flüchtigkeit digitaler Bilder und der sofortigen Verfügbarkeit von KI-generierter Kunst geprägt ist, erscheint die Steinlithografie wie ein Anachronismus. Ein Handwerk, das Geduld, körperliche Anstrengung und ein tiefes Verständnis für chemische Prozesse erfordert. Viele fragen sich, ob dieser immense Aufwand heute noch gerechtfertigt ist. Die übliche Antwort verweist oft auf die „Authentizität“ und das „warme Gefühl“ eines echten Drucks – eine Erklärung, die dem Kern der Sache kaum gerecht wird.

Doch was, wenn der wahre Wert der Lithografie nicht in romantischer Nostalgie, sondern in ihrer bewussten Auseinandersetzung mit der Materie selbst liegt? Was, wenn die materielle Widerständigkeit des Steins und die Unumstößlichkeit chemischer Gesetze genau die Qualitäten sind, die in unserer virtuellen Realität einen neuen, tiefgreifenden Wert schaffen? Es geht nicht darum, die Vergangenheit zu wiederholen, sondern darum, aus ihren fundamentalen Prinzipien eine einzigartige Form des künstlerischen Ausdrucks zu schöpfen, die dem Digitalen verschlossen bleibt. Die „haptische Intelligenz“, das Wissen in den Händen des Druckers, wird hier zu einem entscheidenden Werkzeug.

Dieser Artikel ist eine Reise in die Werkstatt eines Lithografen. Wir werden nicht nur die Techniken beleuchten, sondern auch das „Warum“ hinter jedem Schritt ergründen – von der Auswahl des perfekten Steins über die Geheimnisse der Ätzung bis hin zu den rechtlichen Rahmenbedingungen, die Ihre Kunst schützen. Es ist eine Einladung, die Steinlithografie als eine bewusste Entscheidung für Langsamkeit, Präzision und bleibenden Wert zu verstehen.

Für alle, die den Prozess lieber visuell erleben möchten, bietet das folgende Video einen wunderbaren Einblick in die physischen Abläufe und die Atmosphäre einer Lithografie-Werkstatt. Es ergänzt die technischen Erklärungen dieses Leitfadens um die greifbare Realität des Handwerks.

Dieser Leitfaden ist in logische Abschnitte unterteilt, die Sie Schritt für Schritt durch die Welt der Steinlithografie führen. Der folgende Inhalt gibt Ihnen einen Überblick über die Themen, die wir gemeinsam ergründen werden, von der Materialbeschaffung bis zur rechtlichen Absicherung Ihrer Werke.

Wo finden Sie heute noch gute Lithosteine und was dürfen sie kosten?

Der Anfang jeder lithografischen Reise ist der Stein selbst – das Fundament, auf dem alle Kunst entsteht. Die Suche nach einem guten Stein ist eine Lektion in Geduld und Kennerschaft. Die besten Steine der Welt stammen traditionell aus den Steinbrüchen um Solnhofen in Bayern. Dieser feinkörnige Plattenkalk besitzt eine unerreichte Dichte und Homogenität, die für präzise Druckergebnisse unerlässlich ist. Die Qualität hat ihren Preis: Laut der Solnhofen Stone Group, dem weltweit führenden Anbieter, liegt die Preisspanne für neue Steine bei 50 bis 180 EUR/m² für Solnhofener Lithosteine, abhängig von Qualität und Dicke.

Für Einsteiger und Werkstätten mit begrenztem Budget ist der Gebrauchtmarkt eine ausgezeichnete Alternative. Auf Plattformen wie Kleinanzeigen finden sich oft historische Schätze aus aufgelösten Druckereien. Eine Recherche zeigt, dass hier historische Lithosteine aus Solnhofer Jurastein für 50-60 Euro angeboten werden, oft in Formaten wie 37x48cm oder 43x54cm. Diese Steine tragen die Spuren der Geschichte, manchmal in Form alter Etikettenentwürfe oder Stadtansichten – eine Inspiration für sich.

Doch wie erkennt man einen guten Stein? Achten Sie auf folgende Kriterien:

• Farbton: Grau-blaue Steine sind dichter und versprechen eine höhere Druckqualität als die poröseren gelben Varianten.
• Dicke: Eine Dicke von mindestens 5 bis 10 cm ist entscheidend, um dem enormen Druck der Presse standzuhalten, ohne zu brechen.
• Oberfläche: Untersuchen Sie den Stein sorgfältig auf Risse, tiefe Kratzer oder die berüchtigten „Geisterbilder“ früherer Drucke.
• Planparallelität: Ein guter Stein muss absolut eben sein. Prüfen Sie dies mit einem Stahllineal; es darf kein Lichtspalt zu sehen sein.

Die Wahl des Steins ist die erste bewusste Entscheidung im lithografischen Prozess. Sie ist eine Investition in die Qualität Ihrer zukünftigen Arbeit und der erste Schritt, um die materielle Grundlage des Handwerks zu meistern.

Warum ein schlecht geschliffener Stein das Bild des Vorgängers als „Geist“ druckt

Ein Phänomen, das jeden Lithografen früher oder später heimsucht, ist das „Geisterbild“: Schemenhafte Reste eines früheren Motivs erscheinen im neuen Druck. Dieses Problem ist keine übernatürliche Erscheinung, sondern die direkte Folge einer unzureichenden Vorbereitung des Steins. Die Ursache liegt in der mikroporösen Struktur des Kalksteins. Fettbasierte Tusche oder Kreide dringt tief in diese Poren ein und hinterlässt chemische Spuren, die durch einfaches Abwischen nicht zu entfernen sind.

Um einen Stein für einen neuen Druck vorzubereiten, muss die alte Zeichnung mitsamt den darunterliegenden Fettmolekülen physisch abgetragen werden. Dies geschieht durch einen sorgfältigen Schleifprozess, bei dem mit Schleifpulver (Siliziumkarbid) und Wasser die oberste Schicht des Steins abgetragen wird. Ein schlecht oder ungleichmäßig geschliffener Stein behält die chemische „Erinnerung“ des alten Bildes, was zum Drucken des Geistes führt. Der Schleifvorgang ist somit kein reiner Reinigungsprozess, sondern eine physische und chemische Nullstellung des Steins.

Dieser Prozess erfordert Kraft und Präzision. Er ist ein meditativer Akt, der den Drucker in eine tiefe Verbindung mit seinem Material bringt. Jeder Schleifzug ist ein Dialog mit dem Stein, eine Vorbereitung auf den neuen schöpferischen Akt.

Gummi Arabicum und Salpetersäure: Wie steuern Sie die Ätzung chemisch genau?

Nachdem die Zeichnung mit fetthaltiger Kreide oder Tusche auf den perfekt geschliffenen Stein aufgetragen wurde, folgt der vielleicht magischste und zugleich heikelste Schritt der Lithografie: die Ätzung. Hierbei handelt es sich nicht um eine Ätzung im Sinne einer Vertiefung, wie bei einer Radierung, sondern um eine chemische Stabilisierung. Ziel ist es, die nicht-zeichnenden, weißen Bereiche des Steins wasseraufnahmefähig und fettabweisend zu machen, während die gezeichneten, fettigen Bereiche fixiert werden.

Die Ätzlösung, eine Mischung aus Gummi Arabicum und einer geringen Menge Salpetersäure, ist das zentrale Steuerungselement. Wie die Expertin Andrea Bischof in einem Workshop von art in print erklärt:

Eine Mischung aus verdünnter Salpetersäure und Gummiarabikum-Lösung verschließt die Poren des Steines und stabilisiert die Fettzeichnung

– Andrea Bischof, art in print Lithografie-Workshop

Das Gummi Arabicum legt sich als hydrophiler (wasserliebender) Film auf die freien Bereiche des Steins. Die Salpetersäure öffnet die Poren des Kalks leicht, damit das Gummi tiefer eindringen kann, und reagiert mit dem Fett der Zeichnung zu einer unlöslichen Fettsäureseife. Das Mischverhältnis von Säure zu Gummi ist entscheidend für den künstlerischen Effekt und trennt den Meister vom Lehrling. Eine zu starke Ätzung „frisst“ feine Linien weg, eine zu schwache lässt die Zeichnung beim Drucken „zulaufen“.

Historisch haben sich verschiedene „Schulen“ mit eigenen Rezepturen entwickelt, die auf spezifische künstlerische Ausdrucksformen abzielten. Die Wahl der richtigen Ätzung ist eine Entscheidung über den Charakter des späteren Drucks.

Ätzrezepturen für verschiedene künstlerische Effekte

Ätzrezeptur	Mischverhältnis	Effekt	Anwendungsbereich
Münchner Schule	1:20 Salpetersäure/Gummiarabikum	Feine Tonwerte	Detaillierte Graustufenzeichnungen
Berliner Expressionisten	1:10 Salpetersäure/Gummiarabikum	Harte Kontraste	Kraftvolle Schwarz-Weiß-Grafiken
Standard-Ätzung	1:15 Salpetersäure/Gummiarabikum	Ausgewogene Tonwerte	Universell einsetzbar

Die Beherrschung dieser chemischen Wahrheit ist der Kern der lithografischen Kunst. Es ist ein Prozess, der Respekt vor den Materialien und höchste Konzentration erfordert, um den schmalen Grat zwischen Fixierung und Zerstörung zu meistern.

Kitchen-Litho: Wie Sie mit Alufolie und Cola lithografieren

Die klassische Steinlithografie mit ihren schweren Steinen und dem Umgang mit Säuren kann abschreckend wirken. Doch das grundlegende Prinzip – die Abstoßung von Fett und Wasser – lässt sich auch mit alltäglichen Materialien aus der Küche demonstrieren. Diese zugängliche Methode, bekannt als „Kitchen-Litho“, ist eine geniale Erfindung, die das Tor zur Welt des Flachdrucks weit aufstößt.

Der Prozess ist verblüffend einfach und dennoch wirkungsvoll. Er folgt denselben logischen Schritten wie die traditionelle Technik, nur mit substituierten Materialien:

• Die „Druckplatte“: Eine Glasplatte wird mit Alufolie bespannt, wobei die matte Seite nach außen zeigt, da sie poröser ist und die Zeichnung besser annimmt.
• Die Zeichnung: Mit einem sehr weichen Fettstift (z.B. 8B Bleistift) oder Ölpastellkreiden wird das Motiv direkt auf die Folie gezeichnet.
• Die „Ätzung“: Cola wird auf die Folie aufgetragen. Die enthaltene Phosphorsäure reagiert ähnlich wie Salpetersäure und bereitet die nicht gezeichneten Bereiche vor, Wasser anzunehmen.
• Vorbereitung zum Druck: Nach kurzer Einwirkzeit wird die Cola abgespült und die Zeichnung mit Pflanzenöl „fixiert“.
• Der Druck: Die Platte wird mit einer Mischung aus Druckfarbe und Öl eingefärbt, mit einem Schwamm feucht gehalten und das Papier schließlich mit einer Handwalze oder sogar einem Löffelrücken abgezogen.

Auch wenn die Ergebnisse nicht die Feinheit und Langlebigkeit einer echten Steinlithografie erreichen, ist Kitchen-Litho eine unschätzbare Methode, um die chemischen Grundlagen spielerisch zu erfahren. Es beweist, dass der Geist der Lithografie nicht nur im schweren Stein, sondern im universellen Prinzip selbst wohnt.

Das „Tonen“: Warum druckt der Stein Farbe an Stellen, die weiß bleiben sollen?

Einer der frustrierendsten Fehler in der Lithografie ist das „Tonen“ oder „Schleiern“. Damit wird der Effekt bezeichnet, bei dem die Druckfarbe nicht nur an der fetthaltigen Zeichnung, sondern auch an den eigentlich weißen, nicht-druckenden Stellen des Steins haften bleibt. Das Ergebnis ist ein unsauberer, grauer oder fleckiger Druck, der die beabsichtigte Bildwirkung zerstört. Das Tonen ist ein klares Signal dafür, dass das empfindliche Gleichgewicht zwischen Fett und Wasser gestört ist.

Die Ursachen können vielfältig sein, haben aber fast immer mit einer unbeabsichtigten Übertragung von Fett auf die Druckplatte zu tun. Der Stein ist unbarmherzig – er vergisst keinen Fettfleck. Wie Wikipedia im Artikel zur Lithografie treffend bemerkt: „Der Stein sollte möglichst nicht mit der Hand berührt werden, da jeder Fingerabdruck fettige Spuren hinterlässt“. Diese Fettspuren werden bei der Ätzung ebenso fixiert wie die gewollte Zeichnung und nehmen beim Druckvorgang Farbe an. Doch auch die Konsistenz der Farbe selbst oder eine unzureichende Präparation können zu diesem Fehler führen.

Die Diagnose und Behebung von Tonen-Problemen erfordert Erfahrung und ein systematisches Vorgehen. Es ist ein Prozess der Fehlersuche, der dem Drucker ein tiefes Verständnis für die Wechselwirkungen seines Materials abverlangt.

Die folgende Tabelle dient als Leitfaden zur Fehlerdiagnose und zeigt die häufigsten Ursachen und deren Lösungen auf.

Fehlerdiagnose-Tabelle für Tonen-Probleme

Erscheinungsbild	Mögliche Ursache	Lösung
Gleichmäßiger Grauschleier	Zu fette Druckfarbe	Farbe mit Magnesiumkarbonat „abmagern“
Fleckiges Tonen	Fingerabdrücke auf Stein	Handschuhe tragen, Stein mit Talkum schützen
Tonen an Rändern	Unvollständige Ätzung	Nachätzen mit schwächerer Lösung
Streifenförmiges Tonen	Ungleichmäßiges Feuchten	Schwamm gleichmäßiger führen

Das Meistern des „Tonens“ ist ein entscheidender Schritt auf dem Weg zur Meisterschaft. Es lehrt den Drucker die wichtigste Lektion: absolute Sauberkeit und Respekt vor der Empfindlichkeit des Steins.

Tischpresse oder Standpresse: Was reicht für A3-Editionen wirklich aus?

Die Presse ist das Herzstück jeder Druckwerkstatt. In der Lithografie ist ihre Aufgabe, einen enormen und absolut gleichmäßigen Druck auf den Stein auszuüben, um die Farbe von der Platte auf das Papier zu übertragen. Die Wahl der richtigen Presse ist eine wichtige Investition und hängt stark von den eigenen Ambitionen, dem verfügbaren Platz und dem Budget ab. Grundsätzlich unterscheidet man zwischen kleineren Tischpressen und großen, schweren Standpressen.

Für Editionen bis zum Format A3 kann eine hochwertige Tischpresse durchaus ausreichend sein. Sie ist platzsparender und in der Anschaffung günstiger. Wichtig ist jedoch, dass es sich um eine echte Reiberpresse handelt, die speziell für die Lithografie konstruiert ist. Einfache Walzenpressen für Radierungen erzeugen nicht den richtigen, gleitenden Druck und können den Stein beschädigen. Für größere Formate, professionelle Editionen oder den Dauereinsatz in einer Werkstatt führt jedoch kein Weg an einer massiven Standpresse vorbei. Diese historischen Maschinen, oft aus Gusseisen gefertigt, garantieren eine unübertroffene Druckkonstanz und Langlebigkeit. Sie sind eine Anschaffung fürs Leben.

Der Markt für gebrauchte Pressen ist überschaubar, aber es gibt immer wieder Gelegenheiten. Eine aktuelle Marktanalyse auf Kleinanzeigen.de zeigt, dass Preise von 2.500 bis 4.000 Euro für historische Karl Krause Leipzig Pressen nicht unüblich sind. Diese Investition ist für einen Einzelkünstler oft eine hohe Hürde. Deshalb gibt es eine weitaus klügere Alternative: die Nutzung von offenen Druckwerkstätten. In fast jeder deutschen Großstadt gibt es professionell ausgestattete Werkstätten, die tage- oder wochenweise gemietet werden können. Dies bietet nicht nur Zugang zu erstklassigen Pressen, sondern auch eine unschätzbare Gemeinschaft und den Austausch mit anderen Künstlern.

Einige der renommiertesten Anlaufstellen sind:

• BBK Berlin – Bildungswerk des Berufsverbands Bildender Künstler
• Leipziger Baumwollspinnerei – Grafikwerkstatt
• München – Internationale Künstlerwerkstatt im Künstlerhaus
• Hamburg – Werkstatt Rixdorfer Drucke
• Köln – Kölner Graphikwerkstatt

Die Tagesmiete liegt hier meist zwischen 30 und 60 Euro und beinhaltet oft schon die Nutzung von Grundmaterialien. Dies ist der ideale Weg, um ohne große Anfangsinvestition in die Welt der Lithografie einzutauchen.

Warum Ihr Pritt-Stift in 5 Jahren braun wird und was Profis nutzen

Ein Kunstwerk ist erst dann vollendet, wenn es dauerhaft präsentiert werden kann. Gerade bei Arbeiten auf Papier, wie Collagen oder Montagen, die oft mit Lithografien kombiniert werden, ist die Wahl des richtigen Klebstoffs von entscheidender Bedeutung für die Langlebigkeit des Werkes. Ein herkömmlicher Bürostift wie ein Pritt-Stift mag für kurzfristige Zwecke praktisch sein, für die Kunst ist er jedoch eine Zeitbombe. Seine Inhaltsstoffe sind nicht säurefrei und alterungsbeständig. Nach wenigen Jahren vergilbt der Klebstoff, wird braun, versprödet und kann das Papier oder sogar die Druckfarben chemisch angreifen.

Professionelle Künstler und Restauratoren arbeiten ausschließlich mit Materialien, die Museumsqualität besitzen. Diese Klebstoffe sind pH-neutral, reversibel und nach internationalen Standards zertifiziert, wie der DIN ISO 9706 für alterungsbeständige Materialien. Diese Norm garantiert, dass das Material auch nach Jahrzehnten keine schädlichen chemischen Reaktionen eingeht. Die Verwendung solcher professioneller Produkte ist keine Pedanterie, sondern eine Grundvoraussetzung für den Kunstmarkt. Eine Galerie oder ein Sammler wird kein Werk erwerben, das nicht nach archivfesten Kriterien gefertigt wurde.

Der Unterschied in Preis und Qualität ist signifikant, aber im Verhältnis zum Wert des Kunstwerks eine unerlässliche Investition in dessen Zukunft.

Professionelle Alternativen zu herkömmlichen Klebstoffen

Produkt	Anwendung	Haltbarkeit	Preis/100ml
Planatol BB	Papierverklebung	Unbegrenzt (pH-neutral)	ca. 15 Euro
Lascaux 360/498 HV	Collagen, Montage	Museumsqualität	ca. 25 Euro
Japanische Reisstärke (Nori)	Traditionelle Montage	Jahrhunderte bewährt	ca. 8 Euro
Pritt-Stift	Bürogebrauch	3-5 Jahre	ca. 3 Euro

Die Wahl des Klebstoffs ist somit eine ethische Entscheidung des Künstlers gegenüber seinem Werk und seinem zukünftigen Besitzer. Es ist ein Bekenntnis zur Dauerhaftigkeit und zum Respekt vor der eigenen Arbeit. Wer den Aufwand der Steinlithografie auf sich nimmt, sollte bei der finalen Präsentation keine Kompromisse eingehen.

Wann wird ein Kunstwerk „Public Domain“ und darf kommerziell genutzt werden?

Ein Künstler, der mit historischen Techniken arbeitet, kommt unweigerlich mit der Frage des Urheberrechts in Berührung. Darf man ein historisches Motiv für eine eigene Edition nutzen? Wann wird ein Werk zur „Public Domain“ (Gemeingut) und darf frei und kommerziell verwendet werden? Die Antwort darauf ist im Urheberrechtsgesetz (UrhG) klar geregelt und für jeden Künstler von existenzieller Bedeutung.

In Deutschland und der gesamten Europäischen Union gilt eine Regelschutzfrist, die an das Leben des Urhebers gekoppelt ist. Die Schutzfrist für ein Werk endet laut § 64 UrhG die Schutzfrist von 70 Jahren nach dem Tod des Urhebers. Das bedeutet, am 1. Januar des Jahres, das auf den 70. Todestag des Künstlers, Komponisten oder Autors folgt, werden dessen Werke gemeinfrei. Ab diesem Zeitpunkt können sie von jedermann ohne Lizenzgebühren kopiert, verbreitet und kommerziell genutzt werden.

Ein prominentes Beispiel aus der Welt der Druckgrafik ist das Werk von Käthe Kollwitz.

Die Werke von Käthe Kollwitz, die 1945 verstarb, wurden 2016 gemeinfrei und können seitdem ohne Lizenzgebühren kommerziell genutzt werden

– Deutsches Urheberrechtsgesetz, § 64 UrhG

Seit 2016 können ihre eindringlichen Lithografien und Radierungen also legal als Vorlagen für neue Editionen, T-Shirts oder Postkarten dienen. Für lebende Künstler bedeutet dies im Umkehrschluss, dass ihre eigenen Werke für 70 Jahre nach ihrem Tod geschützt sind, was ihren Erben zugutekommt.

Dieses Wissen ist entscheidend. Die Nutzung eines noch geschützten Werkes ohne Erlaubnis kann zu teuren Abmahnungen und Schadensersatzforderungen führen. Für Künstler, die sich von historischen Vorlagen inspirieren lassen, ist es daher unerlässlich, das Todesjahr des ursprünglichen Schöpfers genau zu recherchieren. Die 70-Jahres-Regel ist ein klares und verlässliches Werkzeug, um rechtliche Sicherheit im eigenen kreativen Schaffen zu gewährleisten und das reiche Erbe der Kunstgeschichte verantwortungsvoll zu nutzen.

Die Reise in die Welt der Steinlithografie ist eine Verpflichtung zu materieller Ehrlichkeit und handwerklicher Exzellenz. Beginnen Sie Ihre eigene Reise, indem Sie eine der genannten offenen Werkstätten besuchen, um unter fachkundiger Anleitung den ersten Kontakt mit dem Stein zu wagen.